Как выучить теорию музыки

Я искал хорошую книгу по теории музыки уже довольно долгое время, никогда не ожидал, что найду ее на hacker news. Спасибо большое, обязательно посмотрю эту книгу.

Вот как я подхожу к этому: забудьте обо всех исторических названиях вроде “совершенных пятых” и просто думайте в терминах современной 12-нотной равной темперации. Каждая нота – это число, например, 440 герц = 69, стандартная гитарная настройка имеет струны от 40 до 64 и т.д. Каждый интервал – это целое число, на октаву вверх – это +12, мажорный аккорд – это тройка , минорный седьмой аккорд – это и т.д.

Затем, в качестве второго изменения в игре, выучите пятый круг. Начните с ноты, например, C, и продолжайте прибавлять к ней +7. Вы получите FCGDAEBF#C#G#D#A# – обратите внимание, как диезные ноты повторяют рисунок недиезных, их легко запомнить. “Ключи” и “лады” – это просто интервалы из семи последовательных нот на окружности. Скажем, вы выбрали FCGDAEB, это один ключ, затем каждый лад нужно найти, выбирая одну ноту из этих семи и перепрыгивая через одну ноту, пока не сыграете все семь один раз: например, FGABCDE – один лад (лидийский лад), EFGABCD – другой и т.д. Мажорные и минорные лады – это просто разные названия для двух из этих семи ладов. Пентатонические гаммы – это те же лады с опущенными нотами. Блюзовая и гармоническая минорная гаммы – это те же лады с некоторыми вставленными нотами. В целом, именно лады, а не ключи или аккорды являются ключом к грамотному сочинению музыки, поэтому изучите их и научитесь играть.

Это должно дать вам хороший старт в практической теории музыки.

Если у вас возникнет необходимость общаться с другими музыкантами, я настоятельно рекомендую вам не забывать об “исторических названиях”. Они не исторические, я лидер группы и постоянно использую их при общении с членами своей группы. Каждый музыкант на местной сцене знает разницу между Cmaj7 и C7. Если вы приучите свой мозг приравнивать “C плюс 7” к пятой тональности, вы сильно испортите беглость. Придумывая собственную номенклатуру, вы исключаете себя из сотен лет литературы по этому вопросу.

Да, но часто улучшение нотации может сделать концепцию более доступной для новичков, а многие термины, используемые среди музыкантов, могут быть довольно u nintiuitive.

Я не согласен с тем, что это улучшенная нотация. У нее есть свои преимущества, она подчеркивает физическое расстояние между нотами единообразно для всех ключевых подписей. Но она затушевывает гармоническую функцию, которая гораздо важнее.

Индексы массивов, начинающиеся с 0, неинтуитивны для начинающих, я бы никогда не рекомендовал студентам-программистам изучать массивы, начинающиеся с 1, только для того, чтобы было проще.

Правильная техника игры часто неинтуитивна для начинающего музыканта, но поощрение этого для доступности будет разрушительным для их прогресса.

Осмысление новой сложной концепции таким образом, чтобы она имела смысл для вас – это хорошо, отказ от условностей – плохо.

Есть люди, возможно, их не так много, которым трудно пробовать что-то новое, если у них нет чего-то знакомого, чтобы сформировать отношения, даже если эти отношения неточны и требуют итеративного улучшения.

Можно сказать, что поиск Розеттского камня помешал тем, кто знал греческий язык, пытаясь выучить иероглифы.

Я смертельно боялся пробовать заниматься деревообработкой, пока кто-то не показал мне, как строить знакомые углы на станках, используя базовую тригонометрию. После того как у меня сложились крошечные отношения, я смог экспериментировать самостоятельно (а затем перенять лексику деревообработки, чтобы закрепиться в этом сообществе).

Я думаю, что использование некоторых арифметических правил, чтобы увлечь человека, который знает арифметику, но неловко обращается с теорией музыки, является приемлемым компромиссом, чтобы наставить его на путь истинный.

> Я думаю, что использование некоторых арифметических правил, чтобы завлечь человека, который знает арифметику, но в остальном неловко обращается с теорией музыки.

Самым большим выигрышем с этой точки зрения была бы нумерация градусов диатонической шкалы, начинающаяся с 0 для тоники, и диатонических интервалов, начинающихся с 0 для унисона. К сожалению, это сильно конфликтует со всеми видами существующих нотаций. Но если вы считаете третью долю интервалом “2”, четвертую – “3”, пятую – “4” и т.д., вы можете произвольно складывать интервалы друг с другом и с градусами шкалы без необходимости постоянно корректировать архаичный счет на основе единицы.

То есть вы согласны с мнением, что BASIC не является подходящим вводным языком, потому что он скрывает некоторые теоретические сложности CS, открывая новичкам самые низкие плоды?

Меня не знакомили с программированием на BASIC, поэтому я не могу говорить о вашей аналогии, но я полагаю, что вы приняли меня за утверждение, что “скрывать сложность – это неправильно”. Я не думаю, что любой мой тезис можно интерпретировать таким образом. Для начинающих музыкальных теоретиков есть множество “низко висящих плодов”. “V7 разрешается в I” – это низко висящий плод, и он имеет тонны скрытой сложности, которую вам не нужно понимать как новичку. Это понимает каждый образованный музыкант. Я хочу сказать, что если вы хотите, чтобы вас понимали другие музыканты, вы должны это выучить:

В теории музыки для этого есть установленная нотация[0]. Потому что это очень удобный способ смотреть на ноты. Поступать иначе было бы сродни использованию римских цифр для вычислений.

Из личного опыта, я немного работал с этой нотацией. Я потратил гораздо больше времени, чтобы освоить традиционную нотацию. Целочисленная нотация не только сразу становится интуитивно понятной, но и комбинации чисел, например, очень быстро запоминаются, и да, когда я смотрю на это (даже если бы я видел это вне музыкального контекста!), я знаю, что это мажорный аккорд.

То есть, лично я познакомился с традиционными обозначениями (потому что вы не можете изучать теорию музыки и избегать их, или пропустить большую часть материала 🙂 ). Но это потребовало от меня целенаправленных усилий. С другой стороны, я написал несколько классов на языке python для преобразования между нотами и аккордами, традиционной нотацией и целочисленной нотацией, и для того, чтобы увидеть паттерны в этих числах, мне не потребовалось никаких усилий, это прямо здесь. В традиционной нотации, конечно, есть те же закономерности, но они скрыты слоями перевода.

Я думаю, что целочисленную нотацию можно было бы использовать гораздо шире, особенно при обучении теории музыки. Но традиционная нотация тоже полезна,

The problem with “V7 ->Можно подумать, что после многих веков музыкального творчества в разных культурах мы полностью изучили все 4096 шкал, которые существуют в 12TET или даже все 4096 шкал, которые существуют для любой 12-тоновой системы настройки.

Но это далеко не так – посмотрите, насколько революционными были лады Мессайена. Традиционный язык отлично подходит для передачи смысла/намерения/практики, если цель состоит в том, чтобы оставаться в рамках параметров западной музыкальной практики примерно с 1100 года по сегодняшний день.

Но он довольно неадекватен, если ваша цель – исследовать остальные музыкальные возможности, представленные психоакустикой, или даже просто те, которые происходят из (скажем) музыкальных культур, использующих микротоны.

Я также отмечаю, что в этой теме нет ни одного комментария относительно рифмованной структуры, что опять же отражает западный акцент на конкретном (упрощенном) понимании, а не на высокоразвитых музыкальных культурах, построенных вокруг ритма в Африке и Азии.

Я также отмечаю, что в этой теме нет ни одного комментария относительно рифмованной структуры, что опять же отражает западный акцент на конкретном (упрощенном) понимании, а не на высокоразвитых музыкальных культурах, построенных вокруг ритма в Африке и Азии.

Это так верно. Я хотел узнать о теории ритма примерно столько же времени, сколько я изучаю теорию музыки (гармонию). Но если видео на youtube и веб-страницы с объяснениями музыкальной гармонии можно найти повсюду, то информации о теории ритма очень мало.

>Большинство из того, что мне удалось найти, либо очень абстрактно, например, “Евклидовы ритмы”, которые интересны и странны, но исследуют только равноудаленные сетки (никакого свинга). Другая информация обычно посвящена действительно конкретным культурным ритмам. Оба варианта хороши и полезны, но мне кажется, что они составляют менее 20% от общей теории о ритме, которая, по моему мнению, должна быть. Там действительно много всего, и я все еще ищу некоторые фундаментальные теории о повторении, ожидании и напряжении/освобождении. Последнее очень важно для ритма, но, насколько я знаю, музыкальная теория о гармоническом напряжении и освобождении (аккордовые прогрессии и т.д.) кажется гораздо более полной, чем то, что я смог найти о ритме.

Если у вас есть какие-нибудь хорошие советы, я весь внимание 🙂

первичный и т.д.

основа не имеет для меня никакого смысла. Шкала поднимается вверх и вниз, как по лестнице. Основа… не делает этого.

Nonetheless I do think that music theory jargon is too dense and could do with some reform in terminology and notation. A lot of obscure terms could possibly be replaced (longer) plainspeak terms that expresses their function and meaning. At the moment, though a good concrete example eludes me, perhaps be something in lines of ‘scale’ -> ‘basis’, ‘tonic’ -> Первичный – потому что мы уже используем здесь термины первичный и вторичный! Например, V – это “первичная доминанта”, но на самом деле никто не произносит слово “первичная”. Первичные аккорды берутся из шкалы тоники, а вторичные – из другой шкалы. Поэтому V/V – это “вторичная доминанта”.

Scale ->Возможно, “упорядоченная основа” для “шкалы”. Или, возможно, “дискретный спектр”, просто ищем термин, который передает его смысл по существу.

Tonic, dominant, subdominant are used mostly in discussions about functional harmony. The biggest reason why it would be a total disaster to rename tonic ->Я имел в виду реформу, схожую с тем, как в современном лиспе переименовывают CAR и CDR в первый и остаток соответственно. Например, лидийский лад можно обозначить кодовым словом, которое можно развернуть, чтобы понять, что это такое.

В целом, я всегда выступаю за то, чтобы пытаться улучшить выразительность и осмысленность обозначений во всех областях, и я думаю, что это то, что должно постоянно развиваться, пытаясь найти лучший способ сказать что-то.

Scale – это короткое и красивое слово, состоящее из одного слога, и оно идет вверх и вниз, как лестница. “Упорядоченный базис” и “дискретный спектр” звучат для меня откровенно враждебно. Мы хотим сделать музыкальные шкалы доступными для пятилетних детей, а не для студентов-математиков. Это не тот путь, по которому должна развиваться терминология.

первый/остальной.

Я мог бы переименовать лады, но я не уверен, как их переименовать. Я бы не решился называть их в честь нот или с помощью цифр, так как это запутает. Я могу сказать “до-дорийская гамма”, и это довольно краткое и однозначное название для серии нот. Может быть, я мог бы сказать “до минор, натуральная шестая гамма”. Это немного многословно, а режимы довольно редки. Кроме того, это немного странно – разве тогда я мог бы сказать “ля дорийская гамма” как “ля минор, диезная шестая гамма”? Я уже немного запутался в этой терминологии. Может быть, “минорная, мажорная шестая гамма”? “Мажорный минор” – это немного странно.

I can get behind car/cdr ->Фокус с продвижением выразительности и осмысленности в том, что 1) вам придется запоминать новые значения, даже если слова знакомы, и 2) если это не может быть использовано экспертами, оно не будет принято экспертами, и в итоге вы получите, в худшем случае, несколько несовместимых наборов терминологии.

Признайте, что для изучения теории музыки мне придется приложить немало усилий для запоминания. Это неизбежно при изучении теории музыки, как и при изучении других предметов. Поэтому я мог бы выбрать красивые, короткие слова, такие как “шкала”, которые имеют интуитивный смысл, а не “упорядоченный базис”, который является полной бессмыслицей. В конце концов, я потрачу совсем немного времени на запоминание терминов и гораздо, гораздо больше времени на их использование.

Как я уже говорил в своем другом комментарии, мне пришлось сделать гораздо больше запоминаний, чтобы научиться распознавать типичные паттерны (такие как аккорды и гаммы) в традиционной нотации, в то время как целочисленная нотация… Ну, для начала, я просто почти придумал ее сам, прежде чем узнал, что это (конечно же) устоявшийся способ нотации в теории музыки. Во-вторых, я просто написал код для игры с числами, в основном для себя, чтобы попытаться разобраться в традиционной системе, потому что мне казалось (проще) преобразовать связку в числа и посмотреть, какие аккорды получатся. Произошло то, что, не прилагая никаких усилий, я начал распознавать числовые паттерны и понимать, что они означают в музыкальной теории.

Это действительно намного более интуитивно. Дайте кому-нибудь CEGC’ и GBD’G’ или дайте им и . И в качестве бонуса, если вы умеете читать часы, вы уже знаете, как выполнять арифметические действия по модулю 12! 14:00 – это 2 часа дня, 19:00 – 7 часов вечера, поэтому последнее можно записать как .

Я не хочу отказываться от традиционной системы счисления, у нее есть свои преимущества. Но я считаю, что целочисленная нотация может быть использована очень эффективно и должна использоваться больше при обучении основам теории музыки.

Почему мне это “нужно”? Я не понимаю, что вы пытаетесь мне сказать. Может быть, здесь объясняется какая-то альтернативная терминология?

Меня немного выбивает из колеи то, как вы написали этот комментарий.

Эта ссылка дает введение в терминологию MST, с

Эта система наиболее полезна для описания/исследования определенных типов атональной музыки. Я сделаю несправедливое обобщение – большинство людей интересуются тональной музыкой. Вы можете видеть, что ссылки здесь даны на “Структуру атональной музыки” Форте и “Основы атональной теории” Рана. Так что если это ваш конек, то, конечно, идите и делайте атональную музыку. Но я поклонник использования ладов распространенных шкал, поэтому мне нравятся такие лаконичные названия, как фригийский, миксолидийский и дорийский.

Поэтому я считаю, что это не совсем об атональной музыке. Музыкальная вселенная, в которой это представлено (конечно, в статье, на которую я ссылался), уже использует 12TET, и там, где конкретная шкала (из 4096 возможных) имеет известное название в одной или более культурах, она цитируется (это включает западные названия “церковных ладов”, которые вы упомянули).

До сих пор неясно, насколько “тональная музыка” является просто общим набором культурных предположений и практик, и насколько она обусловлена акустической физикой и акустическим восприятием. Итак, вместо того, чтобы априори отдавать предпочтение определенной группе наборов интервалов (“мажор”, “минор” плюс “несколько ладов”), почему бы не начать с изучения всей вселенной всех возможных (12-тета) наборов интервалов (они же “шкалы”). Используя явно математический подход, можно применить некоторые методы анализа к “полной вселенной”, которые недоступны, если застрять в традиционной западной теории и нотации. На мой взгляд, этот подход позволяет достичь двух целей. Первое – это то, что он предлагает мост к незападным музыкальным традициям. Во-вторых, он предлагает общую основу для понимания как “тональной”, так и “атональной” музыки, особенно их сходств и различий.

Наконец, меня особенно раздражает, когда люди связывают “лады” и “шкалы”, как это делаете вы в своем последнем предложении. В (почти) всех музыкальных традициях важны не конкретные ноты, используемые для формирования ладов, из которых состоит музыкальное произведение, а интервалы между ладами и их порядок. Существуют значительные доказательства того, что мы гораздо более чувствительны к относительной высоте тона (интервалам), чем к абсолютной – сыграйте одну и ту же серию интервалов, начиная с другой тоники/корня, и мы воспримем ее почти одинаково. Измените интервальную серию (т.е. шкалу), и мы услышим гораздо более заметную разницу. Итак, мажорная гамма – это просто интервальная серия, и “лады мажорной гаммы” – это тоже просто интервальные серии. Между ними нет никакой внутренней связи, кроме той, что можно построить путем вращения. Лады не “принадлежат” ни мажорной, ни минорной шкале, ни наоборот (на самом деле, мажорная и минорная шкала – это тоже просто лады, просто интервальные ряды).

И теперь, наконец: на самом деле у нас нет специальных названий для большинства возможных интервальных серий, которые можно построить из диатонических нот. У нас есть очень ограниченное число, и из моего чтения и понимания неясно, являются ли те, для которых у нас есть названия, привилегированными с точки зрения физики и восприятия, или в основном результатом исторического прецедента.

Хотя это и верно, но это гораздо более сложное объяснение, чем использование более традиционных понятий. Кроме того, это лишь поверхностное объяснение полезной теории музыки, поскольку оно не объясняет отношения нот друг к другу. 3-я, 5-я, 7-я, 9-я и т.д. – это очень важные понятия для понимания. Также ваш комментарий о том, что лады являются ключом к разумному сочинению музыки, несколько бессмысленен. Большинство джазистов скажут вам, что понимание взаимосвязи аккорда и мелодии гораздо важнее, чем забота о том, в каком ладу вы играете, особенно в импровизационной среде. Гораздо полезнее понимать, что вы играете ii v7 I и знать, какие трезвучия вам доступны, а также, возможно, какие цветовые тона полезны для Target, чем пытаться отследить, в каком ладу вы должны/можете играть на данном аккорде. Лучше понять функцию аккорда в ключе.

Вот как я подхожу к этому: забудьте обо всех исторических названиях вроде “совершенных пятых” и просто думайте в терминах современной 12-нотной равной темперации.

Вы действительно хотите выучить эти названия, потому что они характеризуют диатоническую гамму. В принципе, выберите семь соседних нот на круге пятых, и вы получите набор нот диатонической гаммы. Затем расположите ноты в этом наборе в питчевом порядке и выберите тональный центр. Наивный выбор по умолчанию (выбрать самую “плоскую” ноту в качестве тонального центра) называется лидийским ладом. Он может быть интересным, но у него есть недостаток – в нем отсутствуют отношения субдоминанты. Выбирая следующую за “самой плоской” ноту, вы получаете ионийский лад, который решает эту проблему (четвертая степень шкалы образует “совершенную четвертую” с тоникой, что является обратной стороной совершенной пятой. Наличие большего количества нот, которые могут быть связаны с тоникой, дает больше музыкальных возможностей). Это одно простое объяснение диатонической шкалы, которую мы обычно используем.

Еще одна причуда, которая также объясняет “странные исторические названия”: в традиционной теории музыки диезы и бемоли определенно не рассматриваются одинаково, как это подразумевается в 12-равной темперации. Музыкально значимое различие объясняется достаточно просто: если взять один пример, то F# “хочет” подняться до G, в то время как Gb “хочет” опуститься до F. Это означает, что “круг пятых” превращается скорее в своеобразную спираль, которая может быть вытянута в обоих направлениях, в принципе, бесконечно. Это различие нельзя “услышать” напрямую; все дело в том, как ноты “работают” в музыкальном произведении.

После изучения степеней диатонической шкалы следующим разумным шагом будет начать изучение контрапункта, который основан на простых определениях консонанса и диссонанса между степенями шкалы. Затем переходите к чистому басу и гармонии.

>Да, названия важны по причинам “interop”, и да, исторически они имели значение, потому что темперация была другой, и C# полностью отличался от Db. И да, не вся современная музыка основана на 12-нотном равном темпе. Но для начинающего я бы посоветовал избегать их и думать в терминах полутонов, как я описал. Это проще, и именно так работают гитары, фортепиано, DAW и т.д., так что это хороший способ мышления для начинающего. Я точно знаю, что мне не понравилось, когда меня бомбардировали названиями типа “дополненная четвертая” или “уменьшенная седьмая”, когда “+6” или “+9” было бы более логично с точки зрения клавиш/ладов фортепиано, которые у новичков обычно перед глазами.

Но для начинающего я бы посоветовал избегать их и думать в терминах полутонов, как я описал.

Для абсолютного новичка я, пожалуй, соглашусь. Но мыслить в категориях гаммы (до, ре, ми и т.д.) – это тоже вполне жизнеспособный подход (даже в качестве отправной точки), и очень полезно как можно скорее узнать о том, как эти два понятия соотносятся друг с другом, чтобы не держать в голове кашу из противоречивых “теорий”!

в чем разница между ними?

Исторически они звучали по-разному, поэтому даже акустически не были созвучны с одними и теми же нотами. Каждая из них была бы созвучна только с соседними нотами на “расширенном” цикле пятых.

>Что это означает, например, для клавиатуры фортепиано? Связан ли тот факт, что это одна и та же клавиша, с тем, что фортепиано не может быть идеально настроено?

Да, и это означает, что песни действительно звучат по-разному, когда играются на разных клавишах. Это не просто смещение вверх или вниз, смещаются интервалы в песне, хотя и незначительно.

В неравной темперации они немного отличаются по высоте, в зависимости от того, на каком ключе основана темперация.

И, очевидно, человеческое ухо можно приучить игнорировать эту небольшую разницу (что все и делают, потому что мы привыкли к 12-TET). И это, как по мне, ставит под сомнение всю идею “простое соотношение целых долей == приятная гармония”. Возможно, это не так, но здесь определенно есть что-то еще. Но это трудно исследовать, потому что вам нужна выдержка, чтобы привыкнуть к новым микротоналям, если вы хотите экспериментировать с этим. Определенно, это очень трудно проверить научно, потому что это так сильно зависит от музыкальной подготовки и образования конкретного человека.

Нет? Бемоль или диез может быть тоникой, которая не ведет ни к какой другой ноте. Нота называется бемоль или диез, чтобы сохранить правильное интервальное расстояние без повторения букв в пределах шкалы. Бемоль, как правило, не является ведущим тоном из-за интервального расстояния, но все же может иметь желание разрешиться вверх или вниз. Любая нота может быть консонансной или диссонансной, ведущей или разрешающей в зависимости от контекста.

Вы правы, и это чаще всего наблюдается с бемолями; когда Bb является тоникой, она не “хочет” разрешаться в A. – Конечно, модуляции в F – следующую по диезности клавишу в цикле пятых – достаточно, чтобы изменить это. Устойчивая” диезная нота наблюдается, начиная с тональности D, где F# – устойчивая терция. Но в контексте энгармонических нот, то, что я сказал, в целом верно. F# и Gb, если взять самый распространенный пример, находятся так далеко в “расширенном” цикле пятых, что всякий раз, когда они появляются в одном произведении, можно считать, что правило действует.

Нота называется бемоль или диез, чтобы сохранить правильное интервальное расстояние, не повторяя букв в пределах шкалы.

Ноты не просто называются бемолями или диезами; по крайней мере, в принципе, могут существовать двойные, тройные и т.д. диезы и двойные, тройные и т.д. бемоли. Это сделано для того, чтобы правильно обозначить модуляции в цикле пятых; человек не произвольно “переключается” с диезов на бемоли, а просто продолжает их добавлять.

Я несколько лет занимался музыкой (с легкой руки теории), но никогда не слышал этой идеи.

Это относится исключительно к нотам, которые не находятся в текущем ключе? Например, f# в Gmaj не хочет подниматься до G так же, как B хочет подниматься до C в Cmaj.

>Потому что исторически “диезная” нота считалась ведущим тоном (Ti), в то время как “бемольная” нота считалась четвертой степенью шкалы (Fa), стремящейся понизиться до третьей (Mi).

(На самом деле, чаще всего об этом думали в терминах гексахордов, где нет Ti и всегда используется Mi-Fa для полушагового интервала. Я переписал это в терминах градусов шкалы, чтобы избежать путаницы).

То есть, F# в Gmaj “хочет” подняться до G, в основных структурных терминах. Мы называем места, где это происходит наиболее правильно, “каденциями”, и они являются одними из основных структурных элементов в музыкальном произведении. (Это движение Ti-Do – F#-to-G или B-to-C называется “кантизана”, так как оно наиболее часто появляется как каденция “canto” или “sopran”. Наиболее типично это выглядит как До-Ти-До, где первое появление До сначала “подготовлено” в контексте, который делает его консонансом, но затем звучит как диссонанс, поскольку другие части переходят к доминантовому аккорду (Соль и Ре), так что ему разрешается в ведущий тон).

Но B хочет подняться (или разрешиться) до C, тоники мажорной гаммы. Аналогично с F# к G в мажоре.

Да. (По крайней мере, к местной тонике. Не случайно структурная особенность, которая чаще всего приводит к появлению “дополнительных” диезов и бемолей вне ключевой подписи, известна как “тонизация”.)

Вы никогда не слышали об этом, потому что это неправда. Нота стремится разрешиться вверх или вниз в зависимости от ее относительной удаленности от тоники. Это не имеет никакого отношения к тому, как она называется, самая важная часть именования нот – не повторять буквы в 8-нотной шкале.

Как сделать ноту тоническим центром? Если любая из тех же семи нот может быть тоникой, что делает ее тоникой?

По ее функции в общей гармонической схеме, а также по ее расположению и использованию относительно других нот.

“Тоника – это еще один способ обозначить “ключ” песни.

Если я пишу песню и хочу сделать Ля тоникой, что я должен сделать?

В контексте электронного синтезатора или клавиатуры, C# и Db совершенно одинаковы. Однако почти во всей традиционной музыке инструменты почти никогда не настраиваются по равной темперации, поэтому C# и Db означают разные вещи.

В качестве известного примера можно привести Баха, который очень любил свой “Хорошо темперированный клавир”, представляющий собой метод настройки, который находится где-то между пифагорейской настройкой (пригодной только для одной шкалы) и равной темперацией (все звучит одинаково безжизненно). Поэтому настройка Баха была очень тщательно подобранным компромиссом между возможностью чисто играть наиболее распространенные гаммы и жертвованием некоторыми гаммами в обмен на более точные гармонические соотношения.

Все знаменитые европейские композиторы были экспертами в выжимании приятных гармоник из неравной системы настройки, в которой некоторые комбинации клавиш, так уж получилось, всегда звучали ужасно. Это называлось “Wolfsquinte”, если вы попадали в неправильное сочетание. Если вы ограничиваете себя только равной настройкой, вы упускаете небольшие гармонические различия, которые являются исторической основой для всех современных гармонических прогрессий.

Если вы начинаете с одной фиксированной частоты и затем выводите все остальное как чистые гармоники, это называется “идеальной интонацией”. В Википедии есть таблица того, как эти идеальные гармоники

Другие в этой теме уже отмечали, что C# стремится вверх, а Db – вниз. Причина в том, что для скрипки, виолончели, некоторых флейт и органа это не одинаковые ноты. Они просто округляются на одной и той же клавише на большинстве современных электронных клавиатур.

Поскольку вы просили рассказать о гармониках, я бы не советовал концентрироваться на 12 клавишах, потому что это скроет от вашего взора глубинные сложности. Гармоники, на мой взгляд, лучше всего изучать на аналоговых инструментах, таких как скрипка, где вы действительно можете сыграть музыкальную запятую, а не притворяться, что ее не существует.

Однако настройка – это очень запутанная тема. Например, я думаю, что вы не совсем правы в своем третьем абзаце – пифагорейская настройка теоретически допускает модуляцию на другую (по крайней мере, “близкую”) шкалу, поскольку она основана на многократном применении интервала 3:2 совершенной пятой! Фактическая проблема заключается в том, что в ней есть плохие терции – отсюда и “темперирование”, когда, по сути, некоторые интервалы 3:2 корректируются, чтобы переместить некоторые терции ближе к созвучию. (Правда, эта возможность модуляции не использовалась в музыке до тех пор, пока другие настройки не стали популярными – но, строго говоря, это “просто интонирование”, которое действительно может работать только для одной шкалы).

Для простого введения я подумал, что лучше будет вообще пропустить тему настроек и сосредоточиться на структурном значении, которое можно “прочитать” в реальном нотном материале.

Но, на мой взгляд, то, как ноты, которые вы играете одновременно, звучат вместе, является основой теории музыки. Хорошая аккордовая прогрессия может быть похожа на путешествие и задавать настроение всей песни. Поэтому я бы утверждал, что частоты нот и причины, по которым определенные системы настройки предпочтительны в определенных ситуациях, являются ключевыми понятиями, которые необходимо понимать, если вы хотите вызвать у слушателя определенное настроение.

Согласен, обсуждать преимущества Just Intonation, когда кто-то спрашивает введение в теорию музыки, все равно что начинать студенту-программисту собирать свой собственный компилятор.

По совпадению, одной из первых вещей, которые я попытался собрать, когда учился программировать, был компилятор языка Си ^_^ Это заняло много времени, но я получил много ценных уроков о том, как работают Windows и процессоры.

Но я упомянул здесь о Just Intonation, потому что люди обычно используют ее, когда свободно поют. Поэтому я бы рассматривал это как способ понять, почему люди (и известные композиторы) ведут себя так, как они ведут себя, прежде чем пытаться классифицировать вещи научно.

Также удобным способом запомнить лады по порядку является мнемоника “Я не очень люблю лады”. Это означает ионийский, дорийский, фригийский, лидийский, миксолидийский, эолийский, локрийский.

Хотя это и не неверно, но все же это крайне ограниченное представление о том, какими могут быть шкалы / последовательности интервалов.

Начните с системы настройки. 12TET (12 тонов на октаву, равная темперация) будет обычной, если вы живете в современной западной культуре, но есть и другие.

Следующий шаг: выберите набор интервалов (любое число, хотя 4, 6, 7 – обычные числа). Поздравляем, у вас есть лад.

Следующий шаг: выберите корень/тонику. Поздравляем, у вас есть гамма.

Следующий шаг: играйте ее, снова и снова, снова и снова, пока не сможете делать это не задумываясь.

Следующий шаг: проделайте вышеописанные действия снова, с разными вариантами. И снова, и снова, и снова.

Следующий шаг: поймите разницу в “ощущении” различных интервальных отношений, присутствующих в шкале.

Следующий шаг: понять влияние представления этих интервальных отношений, когда они упорядочены во времени (т.е. мелодия, одна нота за другой) или когда они представлены все сразу (т.е. гармония, аккорды).

Затем, когда вы будете готовы, приступайте к теории музыкального набора: https://ianring.com/musictheory/scales (к сожалению, она ограничена настройкой 12TET, но это все равно потрясающее начало).

Называйте вещи 1-12 и I, II, IV и т.д.

Я нахожу это гораздо более понятным.

Только клавишные, похоже, предпочитают мажорную гамму, что делает применение этих “родственников” немного более громоздким, если вы не хотите использовать эту гамму.

По крайней мере, на гитаре все выглядит одинаково.

Как только вы познакомились с циклом пятых, модуляция становится довольно тривиальной. Вы начинаете применять соответствующие поправки “острее это, площе то” просто по привычке.

На самом деле, именно так модуляция возникла исторически; раньше вся музыка нотировалась диатонически или почти так (различали только си и си-бемоль!), но исполнители неявно “добавляли” диезы и бемоли, чтобы заставить ее звучать хорошо в зависимости от контекста – практика, известная как “musica ficta”. Вы правы, что на щипковых струнных инструментах все выглядит одинаково – и исторические интабуляции (т.е. табулатуры!), предназначенные для щипковых струнных инструментов, на самом деле являются важным источником, который дает нам информацию о том, как исполнялась musica ficta во многих случаях.

Конечно, ступени одинаковы от премьеры вверх, но в до-мажоре вы заканчиваете на всех белых, а в других – на черных то тут, то там.

Да, они в значительной степени являются историческим артефактом, оставшимся со времен равной темперированной настройки. У них есть несколько преимуществ:

* Они дают вам визуальную точку отсчета для абсолютной высоты тона. Легко найти любую конкретную ноту, сопоставив ее с уникальным рисунком черных клавиш. Си всегда находится слева от пары черных клавиш. Другие инструменты требуют иных приемов для отслеживания местоположения, поскольку в противном случае все позиции нот выглядят одинаково. (Например, на гитарах есть маркеры ладов, и игроки должны быть внимательны, чтобы правильно считать лады).

* Наличие двух рядов нот, даже если они распределены неравномерно, позволяет руке охватить больший диапазон тонов. Если бы все черные клавиши находились на одной линии с белыми, было бы сложнее охватить октаву, не уменьшая клавиши, что увеличивает риск ошибок.

* Неравномерное расположение означает, что каждая диатоническая клавиша имеет разное физическое расположение. Это минус, когда речь идет о транспонировании, но это может быть и плюс, когда речь идет о сочинении. Выбор другого ключа с его уникальным расположением может заставить ваши руки попробовать различные аккордовые голосоведения или прогрессии, о которых вы не подумали бы в противном случае. Это увеличивает пространственное разнообразие инструмента за счет меньшей согласованности.

И зигзаг был бы приятнее, чем здесь два, а там три.

Но да, скорее всего, мне нужно выучить клавиши за несколько дней и все будет хорошо 🙂

Правда. Честно говоря, с точки зрения инженерии и UX, гитары просто потрясающе гениальны. Мы не отдаем должное тому, насколько они удивительно выразительны, гибки, просты и надежны.

Это аналоговый инструмент, который можно сделать за несколько сотен баксов из нескольких кусков дерева и проволоки. Он позволяет играть аккорды до шести нот одной рукой, при этом артикулируя каждую ноту по отдельности с большим выразительным контролем с помощью руки, делающей удар. Он позволяет игроку охватить огромный диапазон аккордов по всему хроматическому спектру и даже поддерживает бенды и слайды. В то же время, начинающий музыкант может сделать что-то приятно звучащее за пару часов. Его легко адаптировать к электронике. И даже в акустическом варианте она звучит великолепно.

Полное механическое чудо.

Узнайте, как черные клавиши соотносятся с диезными и бемольными нотами, затем изучите цикл пятых. (Есть также некоторые “хитрости”, которые можно использовать, чтобы понять, как диезные и бемольные ключевые подписи соотносятся с их ключами: в “диезной” ключевой подписи последний диезный знак соответствует ведущему тону соответствующей мажорной клавиши (например, у соль мажора только F# – знак ключевой подписи); в “бемольной” ключевой подписи последний бемольный знак соответствует четверти, а предпоследний – фактическому ключу. Фа мажор имеет один бемольный знак в тональности Bb; Bb мажор имеет два, в тональностях Bb и Eb). Как только вы усвоите, как все это связано, все станет просто.

x + 12 = 880 Гц в вашей нотации.

Причина и важность интервалов связана с гармоническим рядом.

Совершенная 5-я = 3/2 * x (или x + 7 в вашей нотации)

Совершенная 4-я = 4/3 * x (или x + 5 в вашей нотации).

12-нотная равная темперация немного отклоняется от этих соотношений, чтобы обеспечить несколько ключевых подписей. Вы увидите, что 3/2

= 12_sqrt(2)^7.

Вы можете перейти к сложным аккордам, и вы все равно обнаружите дуальности и гормонические серии, стоящие за ними. Мажорный аккорд – это сложенная мажорная 3-я с минорной 3-й, и вместе они простираются на совершенную 5-ю.

Для человека с нулевым знанием теории музыки и желанием ее изучать это бесполезно. Вы делаете много предположений в этом посте, которые не очень полезны :/

Я вроде как сделал это. У меня уже был опыт написания программ для синтезаторов реального времени и DSP, поэтому я знал, что MIDI-ноты (в 12TET, как я узнал позже) – это просто числа с частотой по формуле: 440 x (2 ^ ((n – 69) / 12)). (по крайней мере, я так думаю, я написал это по памяти). Обычно я просил других создать что-то “музыкальное” с помощью моего программного обеспечения.

Понимая, что каждая нота в основном одна и та же и все полутоновые интервалы одинаковы, я задал себе “невинный” вопрос, тогда почему на клавиатуре пианино они обозначены черным и белым?~Попытка ответить на этот вопрос к моему (полному) удовлетворению привела меня к очень глубокому погружению в Google, несколько раз за пару лет. Но это примерно привело меня через большинство областей теории музыки. Я все еще не полностью удовлетворен найденными объяснениями, но некоторые из оставшихся вопросов также остаются открытыми в теории музыки.

Все сводится к вопросу о том, что такого особенного в мажорной гамме? И ответ вроде как находится в круге пятых и комбинаторной теории музыки. Если у вас есть система по модулю 12 (bec

Есть также причины, почему мы получили 12 нот, а не 10 или 16. В основном, это связано с тем, насколько близко вы можете подойти к простым соотношениям долей частоты. У вас также есть 19-TET, в котором больше нот и он довольно близок к этому, но 12 все еще превосходит в некоторых отношениях afaik. Это та часть, которая показалась мне действительно интересной, но с течением времени она не давала мне покоя: Простые соотношения частот особенны, потому что их волны и гармоники совпадают периодически. Но если достаточно просто быть “достаточно близким” к какому-то соотношению, то это фактически эквивалентно точному попаданию в гораздо более сложное дробное соотношение. Принято считать, что человеческий слух нечеткий и не слишком привередлив в этих вещах. Но мне кажется, что это не совсем корректно. Особенно потому, что нечеткий слух можно натренировать, и большинство из нас ожидает услышать конкретную настройку 12-TET, а когда они слышат точные соотношения, они звучат как-то “не так”. Поэтому я чувствую, что в этой теории все еще не хватает какого-то понимания, или, по крайней мере, большего, что я хотел бы узнать (где-то между физиологическим человеческим слухом и культурной музыкальной теорией шкал со всего мира и истории).

Мне кажется, что таким образом я узнал о музыке “наоборот”, и я не уверен, что рекомендую этот способ изучения теории музыки, но это было чертовски интересно.

Для этого я бы очень рекомендовал теоретика музыки/композитора Дмитрия Тимочко. Его карьерный проект заключается в том, чтобы перестроить основы гармонии с нуля на основе (в основном простых) правил, тесно основанных на том, как люди слышат. Он часто использует фразу “Почему музыка звучит хорошо?”.

Он преподает в Принстоне 2 комплексных вводных курса по теории музыки и выкладывает записи лекций в открытый доступ: https://dmitri.mycpanel.princeton.edu/teaching.html. Это действительно недооцененный ресурс, и сейчас он стал таким же полным, как полный учебник по теории музыки.

Существует серьезная нехватка материалов, которые преподают теорию музыки с нуля (как многие из нас, хакеров, любят учиться). Большая часть путаницы вокруг теории музыки происходит от того, что большинство теоретиков используют старые, невероятно грубые “структуры данных” для описания музыки, в то время как фактический материал не так уж и сложен. Тимочко – один из немногих исследователей, который пытается противостоять этому. Он наиболее известен своими высокоуровневыми математическими исследованиями (он написал первую статью по теории музыки, когда-либо опубликованную в журнале Science), но эти конспекты лекций – отличный способ начать изучение теории для тех, кто разочаровался в традиционном обучении – а это практически каждый.

Важно помнить, что в теории музыки не существует настоящего “восхождения снизу вверх”. Конечно, есть пара грубых аудио-акустических правил, например, что простые доли частот звучат более гармонично, потому что в них меньше биений, но этих правил мало, и они не приведут вас далеко.

Они эквивалентны замечанию о том, что, скажем, гласные звуки с похожими формантами труднее различить. Это верно, но от этого никак нельзя подняться до Шекспира и

Люди, создающие музыку, не выводят новых доказуемых теорем, полученных генеративно из аксиоматических правил теории музыки. Теория музыки не может опровергнуть песню.

Люди просто создают материал, который нравится им и другим (или не нравится). А затем теоретики музыки пытаются найти общие нити, которые связывают их, чтобы лучше понять, как мир музыки сочетается друг с другом. Она носит описательный, а не предписывающий характер.

Знание теории может помочь вам в написании музыки, потому что оно может взять информацию, которая уже есть в вашем интуитивном “ухе”, и перенести ее в переднюю кору головного мозга или в другое место, более доступное для ваших рук. Но многие другие музыканты полностью пропускают этот шаг и просто подключают свои руки прямо к интуиции, используя тонны практики. Любой из этих путей подходит для создания прекрасной музыки.

Продолжая ваш комментарий о гласных, я не думаю, что справедливо говорить, что музыка полностью произвольна, как, скажем, язык. В то время как о языке мы можем с уверенностью сказать, что он действительно произволен, например, см. рождение и развитие никарагуанского языка жестов: https://en.wikipedia.org/wiki/Nicaraguan_Sign_Language.

Говоря иначе, два гипотетических языка, развивавшихся в полной изоляции друг от друга, были бы совершенно разными. Две музыкальные традиции, развивавшиеся в полной изоляции друг от друга, были бы разными, но не абсолютно разными. Все же существует основополагающая теория, которая в какой-то степени объединяет их. Именно поэтому теория музыки существует как полезная тема для изучения, даже если ее недостаточно для написания эстетически приятной музыки. В то время как я не знаю эквивалента для лингвистики: лингвистика – это действительно описательная область, она может только описывать то, что существует, а не предсказывать, какими свойствами может/должен обладать новый язык.

Ваше утверждение о лингвистике вызывает много споров в мире лингвистики. Вопрос о том, существует ли, например, глубокая грамматика, общая для всех языков, является предметом долгих и глубоких дебатов (в наши дни, кажется, склоняются к “нет”, но дебаты не закончены).

Итак. Я согласен с вашим мнением о музыке, но я не уверен, что вы правы, пытаясь противопоставить ее языку в этом отношении.

Две музыкальные традиции, развивавшиеся в полной изоляции, были бы разными, но не абсолютно разными. Все же существует основополагающая теория, которая в какой-то степени их объединяет.

Какую теорию вы имеете в виду? Мое (ограниченное) понимание состоит в том, что в разных культурах существуют большие различия в ритмах, временных подписях, в том, сколько тонов приходится на каждую октаву и какие эмоции ассоциируются с различными интервалами и аккордами.

Можно спорить о том, действительно ли подход Тимочко ведет к пониманию теории “с нуля”. ИМХО, его исследование лучше всего понимать как достойную (саму по себе) “доработку” и обобщение предыдущего теоретического подхода, известного как “неориманианская теория”, названного в честь описаний Гуго Риманом тональной гармонии (т.е. общей работы “аккордов”, а точнее, мажорных и минорных трезвучий). С этой точки зрения

Тем не менее, в Принстонских лекциях он, кажется, начинает тему с фундаментальных вопросов/вопросов “почему”, а затем развивает ее, больше, чем любой другой материал по вводной музыке, который я видел. Насколько я могу судить, его собственные теории присутствуют, но скорее как основа для объяснения, а не как требование думать именно так.

Например, на первых страницах он описывает кучу известных основ теории музыки/психоакустики, но в очень “тимошковском” ключе. Он излагает пять принципов, общих для огромного количества музыкальных стилей: некоторые комбинации нот считаются более приятными, чем другие, не стоит использовать мелодии, которые слишком сильно скачут и т.д. (Все это относится к западной музыкальной традиции, но также и ко многим другим).

Затем он говорит, что наши шкалы – это, по сути, “решения” того, как можно разбить октаву на ступени и удовлетворить все пять требований. Оказывается, существует относительно небольшое количество способов сделать это, мы нашли почти все из них, и это практически тот список шкал, который мы используем. Но затем он быстро доводит его до обычных гамм, которые можно сыграть на клавиатуре, записанных в обычной нотации, и идет дальше.

>Это чрезвычайно приятно для моего хакерского мозга, как если бы я выбрал несколько критериев и провел поиск, чтобы найти все возможные списки чисел, которые соответствуют этим критериям.

Я нисколько не удивлюсь, если вы сможете объяснить теорию музыки из основ так же хорошо, используя традиционную неориманианскую теорию, или даже что-то совершенно другое. Я просто не сталкивался с подобными материалами для начального уровня.

(Кроме того, может быть, его список требований не соответствует действительности, но трудно понять, какие из них вы хотели бы отрицать для западной музыки).

Дело в том, что теория NR почти так же далека от основ, как вы можете получить; в общих чертах, это описание того, как очень “далекие” модуляции между трезвучиями (и, в некоторой степени, гаммами/клавишами) могут, тем не менее, работать. Это описание “трюка”, так сказать. Дополнения Тимочко делают подход несколько более полезным, но он все еще не приблизился к реальным основам понимания музыки в целом (а именно этого можно ожидать от “теории”).

Хм, может быть, его материалы для начального уровня совсем другие? Я не собираюсь упирать на то, что здесь есть какая-то связь; я даже не знаю, утверждает ли он, что она есть. Но, по крайней мере, кажется, что этот конкретный материал (по крайней мере, в первых главах, которые я читал) является более фундаментальным и более основанным на математике (очень базовой математике в данном случае), чем другие материалы по теории введения, которые я видел.

Большое спасибо, что указали на эти лекции! Иногда даже свободно распространяемый качественный материал не служит своей цели из-за недостаточной осведомленности тех, кто хочет/нуждается в нем.

Он много говорит о том, почему нужно делать определенные вещи в музыке.

Его пошаговая “джазификация” поп-песни стала для меня открытием:

Я бы посоветовал вам посмотреть на частотные отношения в логарифмах.

Основой хорошего гармонического развития является путешествие по гармоническому пространству, а затем намеренное создание этих ситуаций с двойным значением, чтобы вы могли использовать их для прыжков по гармоническому пространству.

В качестве примера рассмотрим фа-мажор, фа#-минор, си-мажор. Неявно вы заменяете фа-минор на си-бемоль-минор, поэтому переход к си-мажору имеет гармонический смысл.

Или в качестве другого примера рассмотрим фа-мажор, фа-минор, до-мажор, а#-минор, соль-минор. Каждая пара разделяет 2 ноты в хорошо темперированной настройке, но, следуя по этому пути, вы полностью выходите из до-мажорной гаммы, с которой начали.

Я играю на гитаре почти 18 лет, а на бас-гитаре – около 5 лет, а также ходил в муниципальный колледж на теорию и частные уроки. С тех пор я записывался, играл на концертах в различных жанрах, гастролировал по США и нескольким местам в Канаде и Мексике.

Вам нужно найти время для синтеза обучения чтению музыки, игры музыки, которая бросает вам вызов, но находится в пределах ваших возможностей, тренировки слуха и теории музыки.

Вам не обязательно делать это в контексте обучения, но игра с другими людьми (особенно если это музыка, которую вы изучаете), по моему опыту, очень помогает.

Я бы рекомендовал пытаться разучивать новые песни, одновременно изучая интервалы, мажорные/минорные пентатонические гаммы, основные лады, гаммы, лады, аккорды и арпеджио.

Счет ритмов немного сложно выучить самостоятельно. Если у вас есть возможность, я бы взял пару уроков теории, чтобы выучить это; однако, YMMV.

Раньше я был одержим этой темой, но сейчас мне кажется, что это не так уж и важно. Это как периодическая таблица: вы можете запомнить всю фактическую информацию, но я бы утверждал, что действительно важно понимать взаимодействие различных элементов. Таблица – это справочник, это не сама химия.

Я полагаю, что сейчас для вас это не так важно, поскольку за годы игры вы превратили теорию в интуитивное понимание самой музыки. Как вы думаете, был бы у вас такой же уровень понимания, если бы вы все эти годы играли исключительно на слух, или вы думаете, что теория помогла вам лучше связать понятия, которые вы чувствовали?

Я чувствую, что теория помогла мне найти правильный способ обозначить определенные звуки/гармонии и организовать/интернализировать их таким образом, чтобы они имели смысл для меня. Не думаю, что я смог бы разобраться в этом самостоятельно; однако у меня были друзья, которые ходили в музыкальную школу, так что вполне возможно, что я просто перенял их знания.

Здесь много сложных ответов. Все, что вам нужно, это уметь строить гаммы и аккорды, используя круг 5-х ладов. Просто научитесь выписывать ноты для такой гаммы, как ми мажор. Затем научитесь выписывать ноты для всех аккордов в этом ключе. Если вы сделаете это и научитесь строить гаммы и аккорды, все начнет обретать смысл. У меня музыкальное образование. Это ключ. Эта страница – хорошее начало. .

Я бы также добавил, что для того, чтобы действительно использовать теорию, вы должны знать ноты на вашем инструменте. Вы можете знать их как звуковые интервалы, буквы и письменные ноты. Табулатура бесполезна. Я научился читать ноты в школе, и это изменило мои знания об инструменте.

Это набор коротких интерактивных уроков, помогающих визуализировать понятия. До сих пор продолжаю заниматься, прошло уже около 3 лет.

Если вы попробуете, я буду рад услышать ваши отзывы.

Я собирался порекомендовать его. Я еще не прошел весь курс, но он кажется очень перспективным, и мне очень понравилось то, что я увидел. Спасибо, что сделали это!

Я нахожусь в похожем положении; я “возился” с гитарой много-много лет, а с фортепиано/синтами совсем недавно, но так и не добился действительно удовлетворяющего глубокого уровня понимания.

Прошел через все типичные ресурсы самообучения: курсы Udemy, видео Youtube, книги, блоги, учебники, форумы и т.д.

В конце концов я последовал часто даваемому совету и нашел учителя. Я четко сказал, что не хочу обязательно следовать стандартному учебному плану – мне нужен музыкальный эквивалент “хорошего учителя математики” – человек с достаточным уровнем комфорта и широтой взглядов, который сможет пойти со мной в разные места, если у меня возникнут вопросы, и изучить интересующие меня области. Сейчас у меня буквально дух захватывает от волнения. Учитель не является моим единственным источником знаний – может быть, 30% – но он дает направление, объяснения, мотивацию, связывает понятия и честно обеспечивает ответственность (“Я буду практиковать эту шкалу / рассматривать это понятие до следующего урока”), что заставляет меня двигаться вперед.

Я слишком долго сопротивлялся этому, думая, что в наше время достаточно ресурсов, чтобы не нуждаться в старомодном учителе; и действительно, я бы не рекомендовал старомодного учителя, но гибкий и знающий эксперт для меня совершенно бесценен.

Многие видеоролики сняты с точки зрения игры на гитаре, но они объясняют влияние различных концепций теории музыки.

Одно из изменений в мышлении, которое мне пришлось сделать, перейдя от изучения математики/компьютерного права к изучению теории музыки, заключается в том, что начинать с первых принципов не всегда полезно. Я обнаружил, что проще просто принять такие вещи, как “минор звучит грустно”, не понимая, почему, и продолжать играть песни и одновременно учиться, пока картина постепенно не заполнится.

Самое главное – соотносить теорию, которую вы изучаете, с вашим инструментом, и использовать ваши уши в равной степени с вашим мозгом.

Я догадываюсь, что многие из моих друзей-инженеров – музыканты, потому что теория музыки очень систематична – она очень напоминает мне теорию категорий и FP. По крайней мере, она прекрасно согласуется с моим мозгом – но просто знать теорию, не чувствуя ее, бесполезно. Научитесь чувствовать.

Забавно, но когда я несколько раз пытался выучить теорию музыки, она показалась мне очень несистематичной, и больше похожей на результат сотен лет накопления информации множеством людей, которые думали по-своему и не имели в голове какой-то последовательной, всеобъемлющей системы или видения.

Если бы она была более систематичной, ее было бы гораздо легче изучать.

На самом деле она довольно систематична, но с небольшими отклонениями. Проблема, которую я нахожу в преподавании теории музыки, заключается в том, что в них вообще нет систематических подходов, они используют грубое запоминание и некоторые более поверхностные конструкции. Когда вы копаете глубже, вы можете увидеть основные закономерности, которые создали те вещи, которые запоминаются.

Теория очень систематична, если вы начнете со слушания, но будет казаться бессистемной, если вы начнете с физики.

У меня есть полузабытая теория о теории музыки.

Замечание, но басовая партия не всегда играет корень аккорда в правильном смысле – “инверсии” (которые на самом деле очень распространены) – это как раз те аккорды, где бас играет какую-то другую ноту, а не корень. Однако верно то, что басовая партия обеспечивает самый широкий уровень “структуры” в музыкальном произведении, который можно непосредственно прочитать в партитуре. Ноты в других частях всегда (на каком-то базовом структурном уровне, не обращая внимания на дальнейшую разработку) выбираются на основе того, как они “соотносятся” с басом в соответствии с правилами контрапункта.

Чистый бас” – это исторический способ мышления об “аккомпанементе” музыкального произведения, основанный на этих принципах; “чистая басовая партия” записывает аккорды, “аннотируя” басовую линию интервалами, и музыкальные произведения могут быть написаны как “ведущая линия(и) плюс чистая басовая партия”, что сравнимо с современным листом, но гораздо более теоретически обосновано.

Это действительно зависит от ваших целей. Если вы хотите сочинять поп-музыку (включая рок и электронную музыку), то есть риск запутаться в сложных “правилах” гармонии, которые по большей части не имеют отношения к стилю, в котором вы хотите играть (на моей памяти параллельные пятые запрещены в классической теории, но широко распространены в роке/метале) и полезны только для анализа классических произведений.

Лично я, как гитарист, проложил себе путь в теории музыки, чтобы иметь возможность импровизировать и сочинять поп/рок/электронику, используя только интервалы и гаммы. Я слышу прогрессии аккордов, знаю, почему работает V I каденция, могу определить и играть в ладах (дорийский, лидийский. ), но не могу назвать ноты, поэтому транскрибирование в DAW громоздко, но, по крайней мере, я могу свободно сочинять. Не идеально, но учитывая минимальное время, которое я вложил, это очень хорошая отдача для меня.

Конкретно идея состоит в том, чтобы сосредоточиться только на паттернах и формулах. Шаги заключаются в том, чтобы научиться играть и слышать интервалы, затем строить аккорды, например, мажорный аккорд – это 4+3 полутона, минорный – 3+4, еще +3 – минорный 7 или +4 для мажорного 7. Затем, используя шкалу (например, белые ноты на фортепиано для мажорного/минорного лада), легко найти аккорд на каждую степень. После этого выучите несколько распространенных аккордовых прогрессий, и умение определять их в повседневных песнях должно прийти само собой. Наконец, потренируйтесь сочинять мелодии, ориентируясь на тональность аккордов, и вы готовы начать сочинять.

Я обнаружил, что это видео очень хорошо справляется с этой задачей: (редактирование: вторая половина видео).

Я рекомендую посетить университетский курс теории музыки, если это возможно. Но если нет, я могу порекомендовать учебник, который мы использовали: Kostka and Payne’s Tonal Harmony . Если вы хотите учиться медленно, с самого начала, это отличный ресурс.

Наш преподаватель сказал нам, что к концу первого семестра мы будем писать четырехчастные хоралы и что мы будем звучать как Бах. Это звучало совершенно нелепо, и я подумал, что он несет полную чушь. Но, нет, он был прав – после семестра

Костка и Пейн обычно не рекомендуются. Знающие специалисты предпочитают тексты Laitz или Aldwell (ранее Aldwell & Schachter). Имейте в виду, что последние авторы требуют некоторых “интеллектуальных” усилий, но они, надеюсь, окупятся пониманием. Костка и Пейн – это тот учебник, который предпочитают преподаватели музыкальных факультетов, где студентам не так уж важна теория – в нем делается акцент на бесполезных мелочах, а не на том, что наиболее важно.

Я преподавал теорию музыки в течение 8 лет, и мы использовали Laitz. Это солидный учебник. Книга, по которой я учился сам, была Уолтера Пистона (!), которая чрезвычайно старомодна, но в отличие от Лайтца, Пистон работал на основе определенного “канона” классической музыки, в рамках которого его теория была последовательной. Лайтц пытается охватить множество различных видов музыки, и тогда он часто приходит к довольно упрощенным выводам. Однако “Костка и Пейн” абсолютно подходит, если вы хотите знать “достаточно”, а педагогический стиль превосходен.

Мое впечатление, что книга “Костка и Пейн” довольно легкая, с большим количеством примеров того, как концепции используются в реальной (классической) музыке. К книге прилагается рабочая тетрадь, и, с точки зрения обучения, именно в ней и происходит настоящее действие.

Я не знаю других книг, которые вы упомянули; возможно, они еще лучше.

Другие писали о таких хороших ресурсах, как Lightnote, который я также рекомендую в качестве введения. Однако единственной книгой, которую я прошел до конца, была Audible Genius (https://www.audiblegenius.com/). Это такой же практический курс и только введение в самые основы (в какой-то момент появится больше материала), но он поможет вам комфортно расположить барабан, бас и лид вместе для простой прогрессии над одной корневой нотой. Основное внимание уделяется тренировке слуха для распознавания ритма и интервалов и их пониманию на интуитивном, а не теоретическом уровне (хотя теоретические материалы будут иметь больше смысла, когда у вас появится базовое интуитивное чувство).

Хотя счет выставляется ежемесячно, что мне не нравится, я с комфортом прошел весь текущий материал менее чем за месяц, так что я считаю стоимость очень хорошей и планирую подписаться на него, как только появятся новые материалы.

(Попутно могу сказать, что Audible Genius принадлежит тому же парню, что и Syntorial, который представляет собой очень хорошо зарекомендовавший себя практический курс по программированию субтрактивных синтезаторов, который я также рекомендую, если вас это интересует, но он не имеет прямого отношения к теории музыки).

Кроме того, есть масса других курсов, где обсуждаются такие вещи, как аккордовые прогрессии, которые вы можете объединить с этим опытом, чтобы более продуманно подходить к мелодии и гармонии, чтобы передать то, что вы пытаетесь донести до слушателей своей музыкой.

В частности, Youtube-канал Signals Music Studio кажется мне доступным для новичков в теории, но в то же время вдохновляющим на то, чтобы попробовать что-то новое и выйти за рамки основ (например, попробовать себя в ладах).

Я так долго ждал, чтобы сказать это: получите музыкальное образование. Вместо этого я решил получить степень бакалавра музыки.

– Формы / структура песни

– Гармоника, резонанс и диссонанс (это все о соотношениях, и обычно очень интересно для тех, кто любит математику и физику).

– Инструментарий, включая практический диапазон каждого инструмента и голоса.

– Написание и аранжировка музыки.

– Незападные подходы ко всему вышеперечисленному

Что касается курса обучения, я рекомендую: – Берите уроки у человека, которого вы уважаете и с которым вам нравится работать. Они должны быть в состоянии помочь с теорией.

– Изучайте несколько инструментов. Так же, как изучение дополнительных языков программирования, добавление еще одного инструмента значительно повышает уровень вашего просвещения.

– Слушайте много музыки с постоянной периодичностью.

– Слушайте много разной музыки. Слушайте активно, разбирая мелодию, ритм, аккорды и структуру. Очень помогает транскрибирование песен, которые вам нравятся, чтобы развить критический слух.

– Общайтесь с разными музыкантами.

– Проводите время за хорошей DAW / цифровой аудио рабочей станцией. Как и ваша IDE, она может помочь вам создавать музыку, одновременно предоставляя вам возможности хорошего линкера и тестового пакета. Записывайте простые мелодии, а затем практикуйтесь в их редактировании в режиме Piano Roll.

– Музыка не движется быстро, как программирование. Некоторые из лучших учебных материалов, доступных сегодня, имеют возраст 75+ лет.

– Импровизация – один из лучших путей к открытиям ИМХО, но вы должны изучать другие музыкальные идиомы, чтобы расширить свою собственную импровизационную палитру.

Получайте удовольствие. Теория музыки очень приятна для изучения, и любая работа в этом направлении улучшит ваши исполнительские способности намного больше, чем вы могли бы ожидать!

Возможно, сейчас все по-другому, но для меня музыкальное образование стало положительным фактором в плане получения работы на компьютере. Возможно, это верно только тогда, когда рынок труда горячий, но люди, принимающие на работу, обычно реагируют хорошо – я получил много комментариев от людей за эти годы, в которых они отмечали хорошую корреляцию между тем, что они музыкант и хороший программист.

Я так долго ждал, чтобы сказать это: получите музыкальное образование. Я решил получить степень бакалавра музыки вместо степени по CS.

Большинству людей это предложение не поможет – даже тем, кто серьезно интересуется музыкой. Музыкальное образование – это крошечная, крошечная ниша, и количество усилий, которые вам придется приложить на серьезном уровне колледжа, явно того не стоит. Может быть, вместо этого попросите кого-нибудь учить вас в свободное время. Вокруг достаточно людей, которые получили степень бакалавра или даже магистра в области музыки (также теории), но так и не смогли получить удовлетворительную должность.

Я рекомендую вам следить за Кентом Хьюиттом (фортепиано), Адамом Нили (бас) и Риком Беато (гитара) на Youtube. Все они рассказывают о различных аспектах теории музыки, композиции и т.д. Кент Хьюитт проводит полноценный онлайн-курс по джазу, Рик Беато делает невероятно интересные анализы песен всех стилей (в основном рока), но также много говорит о гаммах, гармонии, импровизации и т.д. Адам Нили – это вообще нечто 🙂

Серия статей Рика Беато “Что делает эту песню такой великой” очень интересна, если вы хотите

8-bit Music Theory (теория и анализ музыки из видеоигр в легком для восприятия формате)

12-tone (много всего, но всегда интересно, иногда анализируются популярные песни, а иногда заходят на очень странные грани).

Однако мне кажется, что вы сможете по-настоящему научиться на них, только если у вас уже есть прочный фундамент теории музыки. Если нет, то эти видео вас, конечно, развлекут, но я сомневаюсь, что вы получите от них реальные знания.

Это как. вы можете смотреть аниме с субтитрами целый день, но вы вряд ли выучите японский таким образом.

Я рекомендую канал моего друга Дэвида Ньюмана на YouTube как отличное начало для изучения основ теории музыки и тренировки слуха. Его песни по теории музыки и тренировке слуха просто гениальны.

Как только вы научитесь читать музыку на базовом уровне, я также рекомендую слушать классическую музыку, читая полные оркестровые партитуры. Это может значительно улучшить ваши навыки чтения музыки. Партитуры доступны бесплатно онлайн на сайте IMSLP, а также в печатном виде по очень доступным ценам в издательствах Dover Publications и других.

Я собираю здесь ссылки на высококачественные учебные ресурсы, которые могут быть вам полезны: https://learnawesome.org/topics/2a08a6c6-ac26-415d-a6a5-5e1b.

Я также добавил много ссылок из этой темы, чтобы все вышеперечисленное стало одним местом, где можно найти их все.

Вот что я делаю. Отправляйтесь в книжный магазин местного университета и купите комплект материалов для курса теории музыки. Прочитайте учебный план, возьмите книги в библиотеке и используйте материалы. Вы получаете структурированный подход к предмету и делаете работу по его изучению. Обычно это стоит

>Мое горячее мнение: HN, вероятно, одно из худших мест, где можно спросить совета по теории музыки, потому что здесь довольно высокая концентрация людей, которые отвергают традиционную теорию музыки и хотят придумать свою собственную систему. Как правило, эти люди не очень далеко продвинулись в создании своей собственной системы, поэтому их советы довольно бесполезны! Другая моя точка зрения заключается в том, что существующая система музыкальной нотации и терминологии на самом деле довольно хороша, и трудно придумать, как ее улучшить.

Теория музыки – довольно обширный предмет, и в ней есть масса путей, ведущих к разным ее частям. Я бы начал с того, что попытался составить “карту” различных частей, которые вас интересуют.

Почти любой курс начнется с мажорных/минорных диатонических гамм, затем интервалов, а потом аккордов. Если вы соедините ноты с ритмом, вы получите мелодию. Если вы соединяете аккорды вместе, вы получаете гармонию. Понимание того, как работает гармония, обычно начинается с “функциональной гармонии”, где вы узнаете о тонических/доминантовых/субдоминантовых аккордах и каденциях. Основная загвоздка здесь заключается в том, что существует несколько конкурирующих систем написания названий аккордов, и вы должны, по крайней мере, знать о них, чтобы не удивляться “аккорду V6”, потому что это название означает две разные вещи в зависимости от того, какую систему вы используете.

Это дает вам

Я рекомендую книгу “Руководство музыканта по теории и анализу”. Лично я бы прошел первые главы до введения строгого контрапункта, а затем рассматривал бы остальную часть книги как “меню”, которое вы можете читать в любом порядке (вроде как). Для второго издания это означает прохождение глав 1-8, а затем вы можете смело переходить к главам 9+. Не просто следуйте книге с карандашом и бумагой, играйте упражнения на настоящем инструменте и тренируйте слух (и приобретите приложение для тренировки слуха, если вы считаете, что это поможет).

Наконец, я рекомендую купить пачку бумаги для персонала в местном канцелярском магазине. Ее несложно найти. В качестве альтернативы вы можете использовать компьютерную программу для написания музыки, но выбор немного пугает. Я использую Dorico, но она стоит 100 долларов. Не полагайтесь на табы, если хотите улучшить теорию. Табулатуры – это шпаргалки для исполнения, они усложняют теорию и анализ.

В качестве альтернативы вы можете использовать компьютерную программу для написания музыки, но выбор немного пугает.

MuseScore – бесплатная программа с открытым исходным кодом. Совершенно подходит для повседневного использования.

Когда говорят, что программа “пугает”, большинство людей имеют в виду пользовательский интерфейс и кривую обучения, а не лицензию.

Любая книга по общепринятой гармонии поможет в освоении большинства поп/рок и классики вплоть до 20 века. Я использовал Harmony by Piston и с удовольствием рекомендую ее. Для теории джаза мне подошла книга “Jazz Piano Book” Левина.

Согласен. Мне понравился Пистон, с оговоркой, что его книга посвящена “периоду общей практики”. Она научит вас стандартному подходу к гармонии, который использовался в 18-м и 19-м веках. Но это основа, которая помогает придать смысл всем достижениям в гармонии после 19 века.

У меня была похожая проблема. На мой взгляд, блоги и учебники хороши для самого начала и, возможно, для специфических продвинутых/неизвестных тем. Я собирал интересные кусочки о теории и ее применении на Youtube от 12Tone, Бена Левина, Адама Нили, Nahre Sol, Sideways, Дэвида Брюса и 8-Bit Music Theory, которые все являются отличными образовательными и вдумчивыми каналами.

Но мне не хватало последовательного пути от начинающего к более продвинутому уровню без необходимости собирать его самому, что не сработает, потому что я не знаю того, чего не знаю.

В итоге я купил на Udemy комплект из 12 частей (и, кажется, их становится все больше) курса “Music Theory Comprehensive”, и до сих пор это было удивительное соотношение цены и качества.

Я думаю, что начинать изучение теории музыки нужно с бесплатных базовых вводных курсов, которые есть везде, чтобы понять, нравится ли вам изучать ее. После этого я считаю, что лучший путь вперед – это выложить деньги за книги или курсы.~< $100 to get knowledge worth much more.

Я хотел бы расширить дополнительный аспект, который здесь еще не рассматривался. Это физика/теория сигналов. Это отличный способ обучения для людей с научными наклонностями. Попробуйте посмотреть, как изготавливаются инструменты, и откуда берется звук. Посмотрите на экспериментальные инструменты, такие как водопровод

Такой подход даст вам базовые блоки, на которых поколения музыкантов строили язык и культурные нормы, которые также учитывают понимание слушателя и его эмоций.

Попробуйте найти то, что вас интересует, и копайте так глубоко, как вам нравится.

Упрощенный метод: Возьмите гитару и транспонируйте каждый лад в E. Начните с фригийского, так как его естественный ключ – E. Но затем транспонируйте дорийский лад от D до E. Забудьте о ключе. Просто выучите лады, но от E. Затем придумайте аккорды для каждой ноты каждого лада. Например, для миксолидийского лада вы можете сделать E, F#m, A, Bm, C#m и D (и странный G# – всегда есть странный аккорд). Как только вы запомните 7 ладов, вы сможете деконструировать практически любую песню. Играя аккорды того или иного лада, вы начнете слышать знакомые нотные паттерны. Поменяйте режим (особенно для “странного” аккорда), и все станет очень интересным. Вам даже не обязательно учить все лады. Я использовал почти исключительно 4-5. Конечно, это создает проблему коммуникации, если вы нормируете все до 5 режимов и не акцентируете внимание на ключе.

>